J’ai aimé écouter de la musique classique pendant la majeure partie de ma vie. Au lycée, j’écoutais le soir la station de radio de l’université de ma ville natale pour écouter Bach et Beethoven pendant que je faisais mes devoirs. Cela m’a fait me sentir clever.
J’écoute encore de la musique classique aujourd’hui quand je travaille. Je l’écoute aussi le dimanche matin quand planifier ma semaine.
Même si j’écoutais de la musique classique depuis que je suis jeune, je n’en savais pas grand-chose. Bien sûr, je savais qui étaient les grands compositeurs et connaissais leurs compositions les plus célèbres, mais je ne pouvais pas dire ce qui différenciait la musique de Bach de celle de Beethoven. Bon sang, je ne savais même pas qu’appeler ce que je pensais être de la musique classique « musique classique » était vraiment un abus de langage. Plus d’informations à ce sujet ci-dessous.
J’ai donc décidé de changer cela cette année. À partir de janvier, j’ai commencé à lire des livres sur la musique classique et à écouter un cours audio sur le sujet de The Nice Programs. Cela a été une révélation ! Même si cela ne fait pas de moi un professional, lorsque j’écoute de la musique classique maintenant, j’en profite davantage parce que je sais ce que j’écoute. Cela m’a fait apprécier ce que j’entends. J’ai également aimé découvrir la vie de grands compositeurs comme Bach et Beethoven. Bach était un bourreau de travail et j’admire le penchant romantique de Beethoven (il a écrit un jour qu’il voulait « attraper le destin à la gorge » – quelle incroyable, rempli de thumos phrase!).
Si vous vouliez vous lancer dans la musique classique mais que vous ne savez pas par où commencer, nous commençons aujourd’hui une série en deux events qui présente le style. L’objectif est de vous aider à démarrer votre parcours d’écoute et votre appréciation de la musique que nous appelons classique.
C’est une belle transition vers la première selected que j’ai apprise au cours de mon propre parcours d’écoute…
Pourquoi la musique classique n’est pas de la musique classique
Si vous êtes comme moi avant de me lancer dans cette plongée musicale approfondie, vous appelez probablement toute la musique composée de flûtes, de pianos et de violons, écrite par des mecs qui portaient des perruques poudrées et portaient des noms de famille allemands, « musique classique ».
Mais oui, c’est un terme inapproprié.
Techniquement, la musique classique, avec un C majuscule, est un model de musique occidentale composé entre 1750 et 1827 environ. Beethoven était un compositeur classique, mais pas Bach (il était un compositeur baroque).
Si vous voulez être plus précis, vous voudrez appeler ce que vous appelez « musique classique », « musique de live performance occidentale » ou « musique artistique occidentale ».
Cela dit, je ne m’inquiète pas trop de l’utilisation familière de « musique classique » pour décrire le spectre de la musique orchestrale/instrumentale occidentale formelle et harmoniquement complexe que les gens placent généralement sous ce parapluie. Je vais l’utiliser dans ce sens dans cette série.
La musique artistique occidentale/musique classique est généralement divisée en époques suivantes :
- Époques grecques, médiévales et de la Renaissance (2 000 avant notre ère à 1600)
- L’ère baroque (1600-1750)
- L’ère classique (1750-1825)
- L’ère romantique (1825-1900)
- L’ère moderne (1900 – aujourd’hui)
Chaque époque avait son model distinctive et ses improvements.
Lorsque vous imaginez la « musique classique », vous imaginez probablement la musique des époques baroque, classique et romantique. Et pour une bonne raison! Ces périodes ont produit les géants de la musique occidentale comme Vivaldi, Bach, Haendel, Mozart et Beethoven. Lorsque vous écoutez votre station de radio de musique classique locale, vous entendrez probablement des chansons composées au cours de ces trois périodes.
Une autre selected à souligner à propos de la musique classique est que nous la considérons généralement comme de la « musique pure » – une musique composée pour l’artwork plutôt que pour un acquire crasseux ou pour les lots. Vous écoutez de la musique classique en arrière-plan lorsque vous résolvez des problèmes de mathématiques ou contemplez des formes platoniciennes.
Eh bien, je déteste briser votre bulle, mais même les plus grands voulaient être payés et devenir célèbres. De nombreuses grandes pièces classiques ont été écrites pour s’enrichir et attirer un public. Et certaines d’entre elles étaient carrément vulgaires (Beethoven a composé une chanson sur ses problèmes digestifs qui imitait le fait de péter).
Le fait que la grande musique classique ait été composée pour l’argent et la gloire ne devrait pas lui enlever son caractère illustre. Ces compositeurs ont également travaillé à la création d’un artwork qui glorifiait Dieu et incitait les humains à vivre avec vertu. La grande musique classique transcende le temps et la géographie.
En l’écoutant, on se despatched plus humain et plus vivant.
Les origines de la musique classique : musique de la Grèce vintage, médiévale et de la Renaissance
Pour apprécier les types de musique classique les plus populaires, nous devons examiner l’histoire de la musique occidentale avant l’ère baroque.
Musique grecque vintage
La musique jouait un rôle essentiel dans la tradition grecque. Les Grecs croyaient que la musique pouvait façonner le caractère d’un homme et l’aider à comprendre le cosmos. Le pouvoir de la musique est la raison pour laquelle Platon pensait que c’était une matière essentielle qu’un jeune homme devait apprendre dans sa jeunesse.
Des poèmes épiques comme le Iliade étaient chantés et accompagnés de lyres et de flûtes de roseau, et les tragédies grecques étaient ponctuées de musique. La musique a été conçue pour augmenter l’influence émotionnel que les paroles du poème ou de la tragédie ont sur l’auditeur.
Nous n’avons que quelques vestiges de la notation musicale grecque vintage, il est donc difficile de dire exactement remark cela sonnait. D’après les fragments de papyrus qui ont été récupérés, nous savons qu’il s’agissait d’un chant et monophonique – il y avait une seule mélodie. Les seuls devices qu’ils utilisaient étaient des lyres, des cymbales et des flûtes à roseau.
Le chant et la mélodie easy donnaient à la musique grecque une ambiance étrangère et effrayante. Pour avoir un avant-goût de ce à quoi ressemblait probablement la musique grecque, écoutez cette reconstitution du chœur Stasimon de la tragédie grecque. Oreste:
La musique occidentale a conservé cette caractéristique easy et chantante pendant des siècles. Les anciens Romains ont adopté la musique grecque sans y apporter d’improvements. Ce n’est qu’à la fin du Moyen Âge que l’on a commencé à voir les choses changer.
La musique grecque influencera la musique classique à l’époque baroque. L’opéra a été créé pour faire revivre le chœur grec vintage.
Musique médiévale
Alors que le christianisme prenait de l’significance au début du Moyen Âge, le clergé utilisait la musique pour adorer Dieu et mettre les gens dans une ambiance contemplative et priante. Le plain-chant est devenue la musique la plus composée et jouée au cours de ce qu’on appelle l’âge des ténèbres. Vous connaissez probablement ce model de musique sous le nom de chant grégorien. Comme la musique grecque, elle était monophonique. Contrairement à la musique grecque, elle n’était pas accompagnée d’devices. L’une des caractéristiques déterminantes de la musique médiévale était qu’elle était principalement pilotée par la voix.
Voici un exemple de musique plain-chant :
Entre les années 900 et 1000, les musiciens se développent polyphonieun mélange de deux ou plusieurs mélodies entendues simultanément. Organum était le sort de polyphonie médiévale le plus courant. Une mélodie agirait comme la voix de Dieu – elle sonnait comme un plain-chant traditionnel – et la deuxième mélodie ajouterait des fioritures qui représentaient l’humanité.
Écoutez cet organum intitulé « Pastra nostrum ». Faites consideration aux deux mélodies différentes :
J’aime vraiment écouter de la musique plain-chant lorsque je contemple ou médite. Cela fait un wonderful travail en vous mettant dans une ambiance réfléchie.
Une autre innovation musicale a été introduite dans les années 1300 : isorythme. L’isorythme implique la répétition d’un motif fixe de hauteurs et d’un motif rythmique séparé et répété au sein d’un morceau musical. Ces motifs ne sont pas nécessairement de la même longueur, de sorte que leurs répétitions peuvent être synchronisées les unes avec les autres, créant ainsi une texture riche et complexe. La musique isorythmique à l’époque médiévale était principalement vocale.
Voici un exemple d’isorythme :
Musique de la Renaissance
Les musiciens de la Renaissance cherchaient à recréer les idéaux de l’Antiquité. Au lieu d’adorer et de prier Dieu, la musique était considérée comme un moyen d’évoquer des émotions chez l’auditeur. Pour ce faire, les musiciens de la Renaissance ont mis l’accent sur des voix qui seraient clairement entendues. Ils ont également utilisé la musique pour refléter les mots chantés en utilisant une method appelée peinture de mots. Ainsi, si les paroles d’une chanson parlaient de la chute d’une personne, la musique tenterait d’évoquer cette picture.
De nouveaux devices et systèmes de notation ont permis aux musiciens de créer une musique plus complexe et sophistiquée, et l’imprimerie a permis à la musique de se propager plus rapidement et plus facilement.
Le style musical le plus essential qui s’est développé à la Renaissance était le madrigal. Le madrigal était une musique profane basée sur des poèmes qui présentaient les caractéristiques suivantes :
- Polyphonique : les madrigaux étaient généralement composés de six à huit voix chantant simultanément.
- Peinture de mots : la musique reflétait le sens des mots.
- Expression émotionnelle : la musique est composée pour vous faire ressentir différentes émotions.
Au départ, les madrigaux étaient principalement des compositions vocales, mais à mesure que la Renaissance progressait, les musiciens ont commencé à remplacer certaines voix par des devices comme les luths et les violes. Nous commençons à voir une évolution de la musique classique, principalement axée sur la voix, vers une musique plus instrumentale.
Voici un exemple de madrigal Renaissance. Remarquez les différentes mélodies jouées en même temps.
Pour une raison quelconque, j’think about Robin des Bois : les hommes en collants quand j’écoute un madrigal.
Voici un madrigal anglais intitulé « As Vesta Was from Latmos Hill Descending ». C’est un bon exemple de peinture de mots. Remarquez que lorsque les chanteurs chantent le mot « descendant », la mélodie donne l’impression qu’ils descendent une colline :
Eh bien, voilà. Un cours intensif sur 4 000 ans d’histoire de la musique occidentale en environ 750 mots. Nous sommes maintenant prêts à jeter un regard sur les trois grandes époques de la musique de live performance qui ont produit des pièces intemporelles que nous écoutons et jouons encore aujourd’hui : le baroque, le classique et le romantique.
Nous nous tournerons vers eux, ainsi que vers l’ère moderne, dans notre prochain article.
Sources
Le information classic de la musique classique : un information indispensable pour comprendre et apprécier la musique classique par Jan Swafford. Très bon livre d’introduction à la musique classique. Swafford, lui-même compositeur, montre très bien remark la vie de compositeurs célèbres a façonné la musique qu’ils ont produite.
Remark écouter et comprendre de la bonne musique par Robert Greenberg. Il s’agit d’un cours audio issu des Grands Cours. Je le recommande fortement. Le conférencier, Robert Greenberg (qui est également compositeur), est incroyablement engageant et rend l’apprentissage de la musique classique amusant. Il ressemble au comédien Lewis Black. Le meilleur, c’est qu’il inclut des échantillons de la musique dont il parle.
