Bienvenue dans notre série, Musique classique 101 ! Notre objectif avec cette série est de fournir une introduction accessible et non intimidante à la musique classique afin que vous puissiez commencer à apprécier ce style musical intemporel.
Dans notre dernier article, nous avons exploré la musique passionnée et expressive de l’époque romantiquedans lequel des compositeurs comme Tchaïkovski et Wagner ont insufflé à leur musique personnalité et intensité émotionnelle. Aujourd’hui, dans le dernier volet de notre série, nous nous aventurerons dans l’ère moderne, une période de réinvention radicale de la musique orchestrale occidentale.
L’ère moderne (1900-aujourd’hui)
L’ère moderne a commencé vers 1900 et se poursuit aujourd’hui. Elle est marquée par la volonté croissante des compositeurs de s’affranchir des règles et requirements musicaux traditionnels et formels. Le chauffeur ? Un monde qui évolue à une vitesse vertigineuse.
Le tournant du XXe siècle a été marqué par des avancées technologiques et scientifiques sans précédent, notamment les premiers requirements téléphoniques automatiques, les enregistrements magnétiques du son, les vols plus lourds que l’air, les vehicles et les rayons X. Albert Einstein, Sigmund Freud et Max Planck révolutionnaient notre façon de comprendre l’univers et la conscience humaine elle-même.
Dans le même temps, les sociétés occidentales, de plus en plus pluralistes, remettent de plus en plus en query l’idée de vérité absolue et la légitimité des normes dominantes.
Les musiciens de l’ère moderne ont suivi le rythme effréné de ce changement technologique et social en créant des varieties de musique nouveaux et différents. Dans les époques musicales précédentes, les changements de composition et de type prenaient un siècle à se développer ; au XXe siècle, de nouveaux genres musicaux sont nés en seulement une décennie. La liste des genres musicaux apparus à l’ère moderne comprend l’expressionnisme, le sérialisme, le néoclassicisme, l’expérimentalisme, le minimalisme et le post-modernisme. Il existe même un style appelé post-post-modernisme. Ce qui est très post-moderne.
La montée de l’individualisme qui a eu lieu à l’époque romantique s’est poursuivie sans relâche à l’époque moderne. Les artistes cherchaient à se distinguer du lot en créant une musique empreinte d’originalité. Mais contrairement aux musiciens de l’ère romantique qui canalisaient leur individualité à travers les buildings de la custom musicale, les compositeurs de l’ère moderne rejetaient de telles contraintes. C’est pour cette raison que le spécialiste de la musique Jan Swafford décrit la période moderne comme « l’ère romantique sans freins ».
Caractéristiques de la musique moderniste
Étant donné que l’ère moderne est composée de différentes sous-ères, il est probablement plus utile de discuter des caractéristiques de chacune de ces sous-ères plutôt que de tenter de décrire les caractéristiques de l’ère moderne dans son ensemble.
Put up-romantisme et impressionnisme (1900-1920)
Dans les derniers échos du romantisme, les compositeurs ont poussé la tonalité traditionnelle – l’organisation de la musique autour d’une hauteur ou d’une tonalité centrale – jusqu’à ses limites et ont souvent insufflé à leur musique des thèmes émotionnels intenses. de Gustav Mahler Symphonie n°9aux prises avec la mortalité et la réflexion existentielle, est emblématique de cette époque. Gustav utilise beaucoup de chromatisme dans la pièce, ce qui signifie simplement qu’il ajoute plus de notes à une gamme traditionnelle. Cela donne un peu plus de texture à la musique. Vous le verrez également commencer à repousser les limites de la tonalité romantique, sans pour autant entrer dans l’atonalité totale (musique qui n’est pas organisée autour d’une hauteur centrale).
Ecoutez :
Parallèlement au post-romantisme se trouvait le mouvement impressionniste, apparu à la fin du XIXe siècle et axé sur l’évocation d’une atmosphère et d’une ambiance. Inspirés par les arts visuels, des compositeurs comme Claude Debussy et Maurice Ravel ont utilisé des harmonies non traditionnelles, des gammes modales et des influences exotiques pour créer une musique qui peint des paysages sonores éclatants. Des œuvres comme celles de Debussy Clair de Lune et Prélude à l’après-midi d’un faune illustrent ce type, avec leurs textures oniriques et leur dynamique subtile.
Ecoutez Clair de Lune. Si tu as vu Océans 11vous le reconnaîtrez :
Expressionnisme et sérialisme (années 1910-1940)
Durant cette période, dirigée par Arnold Schoenberg et ses étudiants Alban Berg et Anton Webern, la musique connut un changement révolutionnaire par rapport à la tonalité traditionnelle. Œuvres expressionnistes, comme celle de Schoenberg Pierrot Lunaire utilisé l’atonalité pour transmettre des états psychologiques intenses. Plus tard, Schoenberg fut le pionnier de la approach dodécaphonique, une approche de la composition qui devint la pierre angulaire du sérialisme. Le sérialisme est une manière de composer de la musique dans laquelle le compositeur swimsuit un système strict pour décider quelles notes, rythmes ou dynamiques utiliser au lieu de se contenter de ce qui sonne bien ou traditionnel. Pensez-y comme à la création d’une liste de lecture, mais vous n’êtes pas autorisé à répéter une chanson tant que chaque piste n’a pas été jouée une fois – et vous devez les lire dans un ordre spécifique.
La musique en série semble souvent très organisée, mais peut aussi sembler imprévisible ou étrange automobile elle ne swimsuit pas les schémas habituels des tonalités majeures « joyeuses » ou des tonalités mineures « tristes ».
Alors que le sérialisme marquait une innovation formelle radicale, l’expressionnisme était avant tout un mouvement esthétique mettant l’accent sur la profondeur émotionnelle et psychologique.
Voici celui de Schoenberg Suite pour piano, op. 2une pièce sérialiste :
Et voici le sien Pierrot Lunaireun exemple d’expressionnisme :
Néoclassicisme et expérimentalisme (années 1940-1960)
Le néoclassicisme est apparu comme une réponse aux excès perçus du romantisme et du modernisme, avec des compositeurs comme Igor Stravinsky revisitant des formes et des kinds plus anciens tout en leur insufflant des improvements harmoniques et rythmiques modernes. Des œuvres telles que Pulcinelle et Ssymphonie des Psaumes reflètent cette synthèse de custom et de modernité.
Voici Symphonie des Psaumes par Igor Stravinski :
Dans le même temps, des compositeurs expérimentaux tels que John Cage ont introduit des methods aléatoires telles que lancer des pièces de monnaie et lancer des dés pour prendre des décisions musicales, remettant en query les notions traditionnelles de paternité. L’œuvre la plus connue et la plus controversée de Cage est 4’33” dans lequel les artistes ne jouent aucune musique et restent assis en silence pendant quatre minutes et trente-trois secondes. Il a également utilisé une approach appelée « piano préparé », dans laquelle des objets comme des vis, des boulons et des balles en caoutchouc sont placés entre les cordes du piano, modifiant le son de l’instrument pour produire des timbres percussifs et surnaturels.
Voici celui de John Cage Sonate V avec un piano préparé. Ça a l’air weird :
Minimalisme et post-modernisme (années 1960 à aujourd’hui)
Le minimalisme est apparu comme une réaction contre la complexité du sérialisme et de la musique d’avant-garde et mettait l’accent sur la simplicité, la répétition et la transformation progressive. Des compositeurs comme Philip Glass, Steve Reich et Terry Riley ont utilisé des buildings et des motifs répétitifs pour créer des effets méditatifs et hypnotiques.
Voici « Echorus » de Glass, un glorious exemple de minimalisme méditatif :
Le postmodernisme, en revanche, est plus massive et plus éclectique, rejetant les frontières stylistiques rigides en faveur du pluralisme. Il incorpore souvent des éléments de musique populaire, de pastiche historique et d’influences interculturelles, créant ainsi une tapisserie d’expressions musicales diverses.
Pour un exemple de musique post-moderniste, écoutez John Adams Courtroom trajet dans une machine rapide:
Celui de Georges Rocheberg Quatuor à cordes n°3 est un exemple de musique post-moderne qui utilise une approche pastiche pour emprunter des kinds historiques et les remixer en quelque selected de nouveau :
Conclusion
Eh bien, voilà. Un voyage à travers près de 2 000 ans de musique occidentale, des chants grecs anciens aux compositions expérimentales modernes, en moins de 10 000 mots.
Quand j’ai commencé cette série, j’ai mentionné que j’écoutais de la musique classique tout en faisant mes devoirs parce que cela me faisait me sentir « studieux ». Aujourd’hui, après avoir plongé profondément dans l’histoire et l’évolution de la musique classique, j’en ai développé une appréciation plus profonde. Cela rend l’écoute de la musique classique beaucoup plus agréable. J’espère que cette série a fait la même selected pour vous.
Le cours de musique classique 101 est désormais supprimé. Bonne écoute !
Lisez la suite de la série :
