Bienvenue dans notre série, Musique classique 101 ! Notre objectif avec cette série est de fournir une introduction accessible et non intimidante à la musique classique afin que vous puissiez commencer à apprécier ce style musical intemporel.
Dans notre dernier article, nous nous sommes penchés sur les origines de la musique classique, en commençant par les Grecs anciens et en terminant par la Renaissance. L’artwork et la musique de live performance occidentaux, ce que nous appelons maintenant communément la musique classique, ont commencé avec de simples chants monophoniques et ont développé plus de complexité avec l’introduction de la polyphonie au fil du temps. L’une des principales caractéristiques de la musique occidentale ancienne était qu’elle était basée sur la voix : les devices étaient utilisés avec parcimonie. Ce n’est qu’à la fin de la Renaissance que la musique occidentale a commencé à évoluer vers une prédominance des devices.
Dans l’article d’aujourd’hui, nous ferons un tour musical de l’époque baroque. Mettez votre perruque poudrée et c’est parti.
L’ère baroque (1600-1750)
L’ère baroque commença vers 1600 avec la composition du premier opéra et dura jusqu’à la mort de Jean-Sébastien Bach en 1750.
Le mot « baroque » vient du portugais et signifie « perle irrégulière ». Il était à l’origine utilisé pour décrire de manière peu flatteuse l’artwork, l’structure et la musique produits aux XVIIe et XVIIIe siècles. Les premiers critiques pensaient que l’artwork, la musique et l’structure des années 1600 et du début des années 1700 étaient trop ornés et trop flamboyants. Mais avec le temps, le terme « baroque » a perdu son sens de reproche.
La musique baroque est vaste, élaborée, complexe et émotionnelle tout en étant régie par la logique et l’ordre. La logique et l’ordre de la musique baroque ont jeté les bases de la notation et de la théorie musicales que nous utilisons encore aujourd’hui.
C’est également à l’époque baroque que la musique occidentale begin à être essentiellement instrumentale. Le clavecin était un instrument favori des compositeurs baroques. Si vous entendez une pièce classique avec un clavecin, il y a de fortes probabilities qu’elle date de l’époque baroque.
Un aparté amusant sur les clavecins : le chef d’orchestre Sir Thomas Beecham, qui n’était pas un fan de l’instrument, a un jour comparé le son d’un clavecin à « deux squelettes s’accouplent sur un toit de tôle pendant un orage ». Mdr. Sir Beecham n’a pas froid aux yeux.
Qu’est-ce qui se cache derrière la grandeur, l’ornementation et l’ordre de la musique baroque ? Eh bien, quelques choses :
Premièrement, la période baroque a vu l’avènement de monarques dotés d’un pouvoir absolu – pensez au roi de France Louis XIV. Cette centralisation du pouvoir au sein d’un seul individu a conduit à une demande d’structure, d’artwork et de musique susceptibles de rehausser le status d’un monarque et de sa cour royale. Des compositeurs ont été embauchés pour écrire une musique qui glorifiait le roi et renforçait son picture plus grande que nature.
Deuxièmement, à l’époque baroque, des avancées scientifiques significatives ont été constatées. Newton a découvert que les lois et les mathématiques régissaient l’univers. Les musiciens ont commencé à appliquer cette imaginative and prescient scientifique à leur musique en écrivant des pièces régies par la logique, l’ordre et les mathématiques.
Troisièmement, en réponse à la Réforme protestante, l’Église catholique a lancé la Contre-Réforme qui considérait l’adoption de la musique comme un moyen de gagner les âmes. Vous commencez à constater un abandon de la musique plain-chant dans les églises au revenue de pièces musicales élaborées, dramatiques et très émotionnelles, conçues pour inspirer un respect religieux chez l’auditeur.
Caractéristiques de la musique de l’ère baroque
Contrepoint. Le contrepoint est une approach de composition avec des lignes mélodiques interdépendantes mais indépendantes. Une pièce avec contrepoint aura deux lignes mélodiques qui peuvent être jouées indépendamment, mais qui, une fois assemblées, forment un morceau de musique complexe et cohérent, riche en texture. La fugue est une forme musicale développée à l’époque baroque qui utilisait le contrepoint. Voici un exemple de fugue qui met magnifiquement en valeur le contrepoint. Notez à quel level cela semble complexe et texturé :
Basse proceed. La basse proceed est une ligne de basse proceed qui fournit une base rythmique à toute la variété et la complexité d’une pièce baroque. Voici un exemple de basse proceed (c’est du néerlandais ; le violoncelle et la contrebasse fournissent la basse proceed) :
Modèles rythmiques. La musique baroque présente souvent un rythme entraînant qui se poursuit de manière persistante tout au lengthy de la pièce. Les schémas rythmiques établis au début sont généralement maintenus pour donner de l’élan et soutenir les mélodies ornementales.
Unité d’humeur. La musique baroque a généralement une ambiance distinctive tout au lengthy de la pièce, du début à la fin. Ce n’est qu’à l’époque classique que l’on voit des émotions fluctuantes dans une seule pièce.
Formes musicales baroques
La période baroque voit le développement de formes musicales spécifiques. Nous avons évoqué la fugue plus haut. D’autres formes baroques comprennent la sonate, l’oratorio, la cantate et le concerto grosso.
L’opéra était la forme musicale la plus importante développée à l’époque baroque. Les compositeurs italiens ont cherché à raviver la résonance émotionnelle du chœur grec vintage avec un spectacle scénique qui raconte une histoire dramatique sur une musique proceed.
Compositeurs baroques clés
Claudio Monteverdi (1567-1643). Monteverdi est considéré comme le pont entre l’époque de la Renaissance et l’époque baroque. Sa contribution la plus significative à l’ère baroque fut le développement de l’opéra italien. Sa pièce la plus célèbre est son opéra « L’Orfeo », créé en 1607. Il est basé sur le mythe grec d’Orphée se rendant aux enfers pour sauver sa bien-aimée Eurydice. Vous pouvez regarder le tout ici :
Antonio Vivaldi (1678-1741). Antonio Vivaldi était un compositeur italien de la période baroque et est surtout connu pour ses compositions instrumentales vibrantes et inventives, en particulier ses concertos. Sa musique se caractérise par ses rythmes énergiques, ses mélodies lumineuses et son utilisation audacieuse de l’harmonie et de la texture. En plus d’être un compositeur de génie, Vivaldi était un virtuose du violon.
Son œuvre la plus célèbre était « Quatre Saisons » – un ensemble de quatre concertos pour violon qui représentent des scènes appropriées à chaque saison de l’année, complétées par des cris d’oiseaux dans « Printemps », un orage dans « Été », une danse de chasseurs dans « Automne ». “, et des vents glacials en ” Hiver “. Écoutez :
Jean-Sébastien Bach (1685-1750). Si vous deviez choisir un compositeur qui symbolise la musique baroque, ce serait Jean-Sébastien Bach. Ce sort était un musicien prolifique qui produisait des fugues, des cantates et des oratorios comme personne ne le faisait.
Bach est connu pour ses contrepoints complexes, sa variété rythmique et son expressivité émotionnelle. Lorsque vous écoutez un morceau de Bach, vous êtes surpris par son son approach et orné.
Voici quelques morceaux de Bach à découvrir :
George Frédéric Haendel (1685-1759). Haendel était un contemporain de Bach qui s’est fait un nom avec ses belles mélodies et son utilisation émouvante des chœurs dans ses opéras et oratorios. Sa pièce la plus célèbre est son oratorio, Messie. Son célèbre chorus « Hallelujah » seize le expertise dramatique que Haendel a apporté à sa musique.
Écoutez le chorus « Alléluia » du « Messie ». Mon garçon, est-ce que j’ai une sensation de gonflement dans ma poitrine à chaque fois que je l’entends :
Si vous recherchez davantage de musique de l’époque baroque, écoutez cette superbe playlist sur Spotify.
C’est tout pour le cours intensif d’aujourd’hui. Dans notre prochain article, nous examinerons l’époque classique.
